julio 19, 2024

Acontecimientos sobrenaturales, maldiciones y romances, melodías desgarradoras y fuegos artificiales vocales: ¿qué es no amar?

‘Die Zauberflöte’ (‘La flauta mágica’) de Mozart, una ópera debut inmensamente popular, ha estado en el escenario con frecuencia desde su estreno en 1791. Sin embargo, es una apuesta segura que la ópera de Simon McBurney producción, que se estrena en el Metropolitan Opera el viernes, es el primero en presentar un tono de llamada que reproduce la marca musical de cinco notas del cazador de pájaros de Papageno. O use alrededor de 100 altavoces ubicados estratégicamente en toda la casa.

Para McBurney, el uso de la tecnología se trata menos de abrazar el presente y más de asentir a la creación de «Zauberflöte». Fue en el Theatre auf der Wien de Viena, que estaba dirigido por multitasking Emmanuel Schikaneder, libretista de la ópera y creador del papel de Papageno.

«Schikaneder tenía las últimas formas de hacer truenos, tenía máquinas que hacían el sonido de la lluvia, tenía llamadas de pájaros, tenía personas que hacían el sonido de los cascos de los caballos», dijo McBurney en una entrevista. «El uso del sonido crea un mundo mágico y, sin embargo, en el corazón de ‘La flauta mágica’ hay preocupaciones humanas reales».

Las yuxtaposiciones de intimidad y escala cósmica, simplicidad y complejidad, baja y alta tecnología han sido emblemáticas durante mucho tiempo del trabajo de McBurney como fundador y director artístico de la compañía de teatro con sede en Londres. Complicidad. Los espectadores de su espectáculo individual «The Encounter» (que se estrenó en Broadway en 2016) experimentaron la producción a través de auriculares, sumergiéndolos en paisajes sonoros sofisticados. Algo que podría haber agregado distancia entre el actor y el espectador los acercó más.

McBurney volvió a experimentar con el sonido para ‘Zauberflöte’, que se representó por primera vez en 2012 en la Ópera Nacional Holandesa y se presentó en toda Europa. (Reemplaza la producción de Julie Taymor, de 19 años, en el Met; su versión abreviada en inglés para familias permanece en el repertorio). Una característica distintiva de «Zauberflöte» de McBurney es la importancia del paisaje sonoro.

«Para una escena de bosque, tengo cinco o seis huellas de pájaros que puedo enviar, un riachuelo que voy a poner en un parlante en el extremo derecho de la escena, dos huellas de viento que soplan en los árboles», Matthieu Maurice , un diseñador de sonido, dijo durante un ensayo reciente.

Los cantantes son amplificados por micrófonos corporales, pero solo para las secciones habladas, abundantes en “Zauberflöte”, que es un singspiel, un espectáculo de números con diálogo entre melodías. Los micrófonos están apagados para las partes vocales, lo que requiere ajustes constantes por parte de dos mezcladores de sonido.

«Puedo hacer mucho más con el diálogo con un micrófono», dijo la soprano Erin Morley, quien interpreta a la princesa de corazón puro Pamina. “Puedo mirar detrás del escenario, puedo susurrar algo. Estoy seguro de que habrá puristas que lo odiarán, pero lo importante es que no cantamos con micrófonos.

También estuvo presente Nathalie Stutzmann, la directora de esta producción. «En una casa tan grande como esta, es obvio para mí que necesitamos usar tecnología moderna», dijo. “El Met es enorme. Es falta de inteligencia no adaptarse a un espacio. Es normal que los cantantes ayuden a llenar el espacio al hablar. También es importante que el volumen de las partes habladas coincida con el volumen de las partes cantadas en una ópera como esta, de lo contrario sonará como dos obras diferentes.

La amplificación también permite la integración de una artista de sonido en vivo, Ruth Sullivan, que opera desde un espacio autónomo, visible a la izquierda del escenario, que se asemeja al laboratorio de un inventor loco. «Su relación con los actores es esencialmente musical», dijo McBurney sobre Sullivan. «Conocen los sonidos que va a hacer, por lo que es un baile como el que baila Nathalie Stutzmann con los cantantes, tratando de que los violonchelos y las voces trabajen juntos».

Stutzmann trabaja tan de cerca con Maurice como con músicos y cantantes. (El diseñador de sonido asociado, ha estado implementando la visión original de Gareth Fry durante ocho años, mientras agrega sus propias florituras, incluido el tono de llamada). Los efectos de sonido se enumeran en la partitura, por lo que ella sabe exactamente qué está pasando.

Además de la mayor interconexión entre las partes móviles del teatro de la ópera, el foso está casi al mismo nivel que el escenario.

«Decidimos: ‘Hagamos crecer la orquesta, dejemos que la gente conozca a los músicos'», dijo Michael Levine, el escenógrafo. «Porque estamos tan acostumbrados a que los jugadores estén ocultos, y no lo estaban en el siglo XVIII».

Durante las secciones habladas en el ensayo, los músicos de la orquesta giraron hacia el escenario como flores al sol. Podrían mirar la acción para variar.

«No hay nada más aburrido que ser un músico de orquesta y estar en lo profundo de una cueva sin tener idea de lo que está pasando en el escenario», dijo Stutzmann. “¿Te imaginas pasar tres o cuatro horas, cinco de Wagner, en el fondo de un abismo y no tener idea de lo que pasa arriba de ti? No solo los músicos pueden ver esta “Zauberflöte”; algunos también son parte de la acción.

Sin embargo, estar en una posición más alta crea un desafío. “Tenemos que tener cuidado de no tapar a los cantantes”, dijo Stutzmann. “El balance de sonido cambia porque estamos arriba y arriba, así que somos más fuertes. Tienes que estar atento y evitar ser soso.

Gran parte de las imágenes de la producción también se crean para que todos las vean. El artista Blake Habermann trae ingeniosos diseños y efectos (observa cómo representa un cielo estrellado) a las proyecciones en vivo. «Presento todo lo que tengo y luego se vuelve doblemente mágico», dijo McBurney con una sonrisa descarada.

Para Levine, hacer que toda la casa sea parte de un solo organismo les recuerda a todos que la artificialidad y la evanescencia de la forma de arte es su fuerza. “Lo que queríamos hacer era acercar a la audiencia a la falibilidad del teatro”, dijo. “Las cosas están sucediendo frente a tus ojos, y es en vivo, y no volverá a suceder. Y las personas que lo construyen están aquí contigo en la misma habitación, y todos lo estamos haciendo juntos.

Si bien las proyecciones son el equivalente moderno de las linternas mágicas desarrolladas en el siglo XVII, McBurney y Levine también imaginaron una versión contemporánea de una alfombra mágica: una plataforma cuadrada central que puede transportar las figuras, pero también sugiere la inestabilidad que experimentan. . Puede subir y bajar, y puede inclinarse en diferentes ángulos; los cantantes pueden retozar arriba o correr escaleras abajo. «Es mucho más seguro cuando estás en él», dijo Morley. «Desde la distancia, se ve aterrador». Riendo, admitió que «mientras pasamos por debajo de la plataforma, hubo algunos momentos en los que dije repetidamente: ‘¿Quieres que haga Qué?’”

Algunos directores modernos han sido criticados por enfatizar demasiado el escenario de una ópera en relación con su música y por forzar interpretaciones que se desvían de lo familiar. Pero North Star de McBurney sigue siendo la música y trata de mantenerse fiel a lo que significó para su creador.

«Creo que para Mozart, si puedes hacer música tan hermosa, la gente saldrá cambiada», dijo. “Podemos debatir si tenía razón o no, pero se llama ‘La flauta mágica’. La flauta cambia la forma de comportarse de las personas.

Mozart, agregó, tenía confianza en su música: «Sabía que podía conmover a la gente de una manera que podría cambiar sus vidas».